Manuel Göttsching playing the E2-E4 session at "Goethe Nacht" Beijing 798 Space (08/11/01)
The free show sponsored by Goethe-Institut Peking.
John Peel（1939 - 2004）---- 英国著名的电台主播（也称DJ - Disc Jockey）、节目主持人、新闻记者；凭借其兼收并蓄的音乐品味、坦诚热情的播音风格，而成为广受人们喜爱和尊重的DJ与文化传播者。自1967年起至生命的终点，他一直为英国BBC Radio 1音乐频道服务了整整37年，成为BBC历史上工作时间最长的DJ。John Peel是第一个在英国电台播放朋克和雷鬼音乐的DJ，同时对于其他领域如非主流摇滚、死亡金属、英伦说唱以及舞曲等音乐风格自英国乃至世界范围的广泛兴起皆做出过巨大的贡献。
John Peel曾撰写过一本名为《Margrave of the Marshes》的传记，在书中他称自己曾拥有最多唱片的一支乐队便是The Fall。在每年John Peel年终的“Festive 50”中（每年由听众评选出50首热门歌曲于年终揭晓榜单的特别节目），固定不变的一项就是邀请The Fall乐队的主唱Mark E Smith来节目中做客，通过其与众不同的讲话方式与大家轻松畅谈每首作品。尽管Peel与许多音乐家保持着亲密的关系，但他却固执地只与Mark E Smith一人合作；从整个80年代到90年代，The Fall最终成了John Peel节目的代名词。
John Peel早年赴美国创业，1967年初当嬉皮运动在美国大行其道时回到英格兰，在伦敦电台下属的私家电台里找到一份工作。正当The Beatles最新专辑《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》即将换播的时候，他为年轻的一代英国听众带来了1967年的美式嬉皮文化。在节目中，他从传统布鲁斯（Howlin' Wolf、Lightnin' Hopkins、Elmore James）和民谣音乐（Bob Dylan、Tim Hardin、the Incredible String Band）逐渐介绍到一些迅速崛起的西海岸乐队如：Love、The Doors、The Mothers of Invention、Country Joe and the Fish和Jefferson Airplane，再到他们的英国同辈：Pink Floyd、John Mayall and the Bluesbreakers和Cream（Peel的挚爱）、The Misunderstood（被Peel劝说从加州移迁到伦敦）、Marc Bolan（T-Rex）和Captain Beefheart（1969年在英国巡演时由Peel担当专职司机负责全部运输）。之后，伦敦电台不幸倒闭，John Peel正式加入英国BBC新流行音乐台（BBC Radio 1），开始了其后漫长的BBC职业生涯。
John Peel是昨日“电台文化”当之无愧的代表人物。在这种文化样式不再受到人们重视的今天，他的存在价值就显得更为重要。事实上，John Peel这个名字早已和摇滚乐永久地铸就在了一起，他通过BBC Radio 1这个当时大众皆听的主流媒介平台使朋克及后朋克一度成为了当时一代青年人生活的组成。在Joy Division、New Order、The Smiths、The Jesus and Mary Chain、The Fall、The Cure、The Jam、The Clash、The Sex Pistols、The Buzzcocks、The Undertones等等乐队辉煌的背后都有着John Peel关键力的注入。然而，名单还远不仅如此。从六十年代末开始，很多歌手乐队纷纷由他牵头在BBC录音室里录制由他特选的歌曲，而后以他的名义出版发行，这便是著名的“The Peel Session”。
1965年的一天下午，钢琴手兼作曲家Muhal Richard Abrams在芝加哥南方会谈上首次提出成立一个名为The Association for the Advancement of Creative Musicians（创意音乐家促进协会）的机构，简称AACM。
AACM是以芝加哥为中心的自由爵士公社，致力于新音乐的孕育和培养，目的为日后演奏和录制真正的独创性音乐提供原始动力。他们尝试各种汲取和超越，包括外来的爵士影响，无论是非洲基因，还是欧洲古典主义。AACM的座右铭：“伟大的黑人音乐，古往未来！”
Great Black Music, Ancient to the Future...
The AACM, 1975. Front row L to R: Joseph Jarman, Leroy Jenkins, Charles Wes Cochran, George Lewis, Douglas Ewart,
Adegoke Steve Colson, Iqua Colson. Back row L to R: Edward Wilkerson, Henry Threadgill, Leonard Jones, Kahil El'Zabar,
Muhal Richard Abrams, Famoudou Don Moye, Steve McCall, Roscoe Mitchell, Pete Cosey, Thurman Barker, John
Stubblefield, James Johnson, Ajaramu, Amina Claudine Myers, Kalaparusha.
这家非营利组织自创立之时起，便秉持尖锐的音乐观念与思想，公然其道地大玩神秘幻术；在此后40年间，孕育出许多当世极其重要的北美前卫音乐。在时代衍化的进程中，她锻造出社会与文化砸合的实验产物，其深远意义跨越了音乐与种族的界限，并影响着全世界几代实验音乐家的独创思维。
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Release Date: 2008/5/15
本书作者George E. Lewis 1952年7月14日生于芝加哥，伸缩号演奏家兼作曲家，毕业于耶鲁大学哲学系，现任哥伦比亚大学爵士研究中心主任、美洲音乐教授。曾与之合作过的前卫音乐家有：Steve Lacy、Anthony Braxton、Derek Bailey、Evan Parker和John Zorn等，有过他参与作曲并出演的爵士专辑超过120张。Lewis在1971年加入AACM时还是一名少年。在这本书中，他以一个土生土长的芝加哥人的视角，在共同的历史背景下，建立了AACM全部的思想和精神；他用交响诗一般的笔刷勾勒出一幅图文并茂的跨时代的唱咏。
面对芝加哥紧缩的经济，音乐产业越发远离人群。AACM的创立者们发觉只有通过自决权（Self-Determination）和集合行动（Collective Action）在公民权益的运动中改变现状。这些音乐家在新的组织里竭尽所能，奋力地进行音乐创造和演绎，改良一系列实验方式，从发明自制乐器、独特的配乐，到即兴演奏、与早期电脑的结合，AACM作曲家们最终感到了真正的自由。AACM老牌成员Lester Bowie说：“在任意一种音乐风格中演绎我们自己，从任何来源中汲取，否定任何的限制”。
从芝加哥转战纽约，再到巴黎，从AACM共创者Steve McCall的厨房桌子到卡耐基大厅，“A Power Stronger Than Itself”（一种超越自身的力量），将展示一个充满生机的多元文化宇宙，并点亮一段前卫音乐与艺术的重要历史篇章。
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My Favorite AACM Compact Discs:
Selected AACM Albums List by G. Lewis: rateyourmusic.com/list/muzex/selected_aacm_albums_by_george_lewis
Delmore Schwartz生于1913年12月8日纽约布鲁克林，父母都是罗马尼亚移民，一场注定的失败婚姻也最终延续到Schwartz的身上。悲哀地是，这种不调的氛围也形成了Schwartz的人生主旋律。他的酗酒史、巴比妥酸盐与安非他命的滥用，以及与各种精神疾病的纠缠，都证明了他与女人之间与生俱来的不利关系。他的第一次婚姻维持了六年；他与一位小说家的第二次婚姻也结束于他无休止地对其进行“通奸”的幻想与指责中，在动手打了一个艺术评论人之后彻底地完结了，因为他确信他俩之间必定有事。
Schwartz in Washington Square Park, 1961
Delmore Schwartz，这个布鲁克林的神经病到底是谁？…
他是一位诗人作家、民主社会主义者、一个纽约知识分子界众所周知的人物；索尔贝娄小说《洪堡的礼物》中洪堡的原形，伟大的纽约摇滚教父Lou Reed的启蒙老师；Reed曾用1967年“地下丝绒”首张专辑《The Velvet Underground & Nico》中的最后一首“European Son（欧洲儿子）”作为悼念1966年恩师的离去。
尽管他骚乱不安的家庭生活自孩提开始，Schwartz却是一个一身天赋的学生。他注册了哥伦比亚大学，并就读于威斯康辛大学，最终于1935年获得纽约大学的哲学学位。1937年，在一本左翼的政治和文化杂志上，他发表了首部短篇小说《In Dreams Begin Responsibilities》，该作品成功写于一个月内，当时他把自己反锁在格林威治村的公寓里。第二年，还是以这部短篇为名，并结集了其他一些诗作散文重新出版，这也是他的第一部正式的书作。此书受到众多诗人和作家的好评，其中包括T.S.艾略特（T.S. Eliot）、威廉姆斯（William Carlos Williams）、庞德（Ezra Pound）、洛威尔（Robert Lowell）和纳博科夫（Vladimir Nabokov）。
In
dreams
begin
responsibilities
他没有完成哈佛的高级哲学学位，却被雇为讲师，随后给与助理教授职称。1947年，当他深信的反犹主义观点在学校里遭受抨击后，他结束了与哈佛长达12年的合作，回到纽约。他的短篇小说集《The World is a Wedding》在第二年出版，时代周刊将他和斯汤达和契诃夫相提并论。此时他的作品已被广泛地收入各种编选集。他也发表过一些关于重要文学人物和文化论题的评论。
Schwartz不定的性格使他辗转于多间大学与学院，从事各种教学职务。在他的晚年，他启发了Lou Reed，并成为朋友索尔贝娄的小说中洪堡的原形。在他生命的最后几年，他邋遢、凌乱、孑然一身，经常泡在纽约城的白马酒馆里打发时间，有时坐在公园拿日记本记录些散句、引用和翻译；感到自己一文不名，老无所依。1966年夏，他住进泰晤士广场酒店，也许是想潜心写作。不料，多年的药物和酒精的滥用导致身体透支，他一直坚持工作到7月11日，最终在酒店大堂里被突发性心脏病夺去了生命。
当我撰写此书时，在这个题目上的英语出版物还非常稀少，我只能竭力去创造第一个我自己的微型百科，逐渐地从上百万个细碎的信息中开始构筑起一些图画。当这本书被完成的时候，它留给了我一个巨大的资讯宝库，于是我决定把它赠予全世界热爱日本摇滚的乐迷，分别以“A-Z”的形式标注艺术家和团体。希望这部传记工程可以成为一个起点，也希望japrocksampler.com最终能成为未来日本音乐研究的一个重要的资源。（Julian Cope, Sept. 2007）
Release Date: 2007/9/3. English (Cope's Signature)
Julian Cope，一个富有远见的英国摇滚音乐家和音乐学者、追赶时髦的考古学家，The Teardrop Explodes乐队的主唱，现带给你一部最新的书作《JAPROCKSAMPLER》。直到今天，语言的绊碍使战后日本音乐仍是一个西方的不解之迷。Julian对此义不容辞，他准备用这把钥匙开启那扇本不该锁上的门。这是二战以后西方音乐在日本登陆的一段历史；无论哪里的变种摇滚乐，都不及日本摇滚更具有吸引力和独创性。
《JAPROCKSAMPLER》是一次对传统保守的日本价值观念和西方六/七十年代狂野的摇滚叛逆精神之间的冲突的探索。它讲述了日本战后一代中一些重要的艺术家们的遭遇，从流浪艺术诗人，到暴力劫机分子等等；并同时整理和罗列了大量对日后发展影响重大的摇滚专辑。Julian保证，这本书会让你以一个全新的视角去从新思索音乐、艺术、时间，甚至生命本身。
Julian Cope in Seville, Southern Spain, May 2006
佐藤允彦 - 日本爵士钢琴演奏家、作曲家，七十年代日本自由爵士运动的核心人物之一。1941年生于东京。60年代毕业于东京慶応義塾私立大学。1966年至1968年期间，赴美国Berkeley音乐学校留学，学习作/编曲。1968年9月，他与同学贝司手荒川康男、天才鼓手富樫雅彦，组成了自己最初的三重奏。1969年4月乐队录制了首部作品《Palladium》，专辑除第二首改编自Lennon/McCartney的Michelle外，其他曲目全部来自佐藤的个人作曲。同年底，佐藤允彦的《Palladium》与富樫雅彦的《We Now Create》同时获得日本权威爵士杂志Swing Journal颁发的‘日本爵士奖’。
1969年7月，三人又在Sankei Hall演奏由佐藤创作的概念组曲，并录制/发表成专辑《Deformation》，意为“音色的变形”。专辑中佐藤首次将电声装置引入日本爵士乐，并在音乐中融入民族器乐、僧侣诵咏和简约合唱等声音元素，专辑发表后立刻被日本人誉为“异相声音的融合，音乐新地平上的展望！”。1971年，佐藤三重奏录制了最后的作品《Transformation》，含有69年的部分音源。其后，佐藤允彦的另两部作品《Four Jazz Compositions》（1970）和《邪馬台賦（Yamataifu）》（1972）也分别在国家艺术祭上获得奖项。
BRIDGE-043. 2005. CD. JAPAN BRIDGE-044. 2005. CD. JAPAN
七十年代，佐藤允彦录制过一些重要的合作专辑：1970年6月与匈牙利爵士吉他手Attila Zoller合作《Duologue》，1971年1月与日本打击乐手山下勉（Stomu Yamash'ta）合作《Metempsychosis》，1971年3月与德国爵士音乐家Wolfgang Dauner合作《Pianology》（此人受德国电声之父Stockhausen的启迪，并将此实验影响植入日本爵士），1973年1月与芝加哥自由爵士代表人物Anthony Braxton合作录制《Four Compositions》，1973年12月与日本钢琴手山下洋輔现场演奏钢琴二重奏《Piano Duo》。佐藤也在海外发表过一些个人作品，如1986年在美国发行的《Amorphism》，1990年在法国发行的《Randooga》（又名: Select Live Under the Sky '90）均获得国际好评。他每年都会到国际上参加各种音乐节，并举办个人音乐会。
佐藤允彦是一位高产的音乐家，以他个人名义发表的专辑多达67张，有过他参与作曲和制作的专辑更是多达170张。他也为电影和电视节目制作音乐，在博览会上担任音乐监制。1993年，比较著名的一部作品是在日本武道馆举行的名为“千僧音曼荼罗”的音乐会，演出召集了一千名僧侣在现场进行诵经，此后该现场录音出版为专辑《千僧音曼荼羅（Buddhist Music with 1000 Shomyo Voices）》。佐藤1997年创立了自己的音乐厂牌BAJ，旗下出版了许多个人作品。今天他依然活跃于各种音乐领域，是日本现今为数不多的老牌爵士音乐家之一。
富樫雅彦，荒川康男，佐藤允彦 (L-R). 1969
富樫雅彦是日本前卫爵士鼓手兼打击乐手，一位公认的鼓界天才。他与佐藤允彦（Masahiko Satoh）、高柳昌行（Masayuki Takayanagi）、山下洋輔（Yosuke Yamashita）齐为日本60年代末自由爵士运动的轴心人物。1940年3月22日生于东京都目黑区。富樫自幼习鼓，14岁便成为专业鼓手随父亲的爵士摇摆乐队一道演出。三年后，他作为日本著名爵士乐手渡辺貞夫（Sadao Watanabe）四重奏中的一员，首次参加录音。1969年，他与高柳昌行、吉沢元治（Motoharu Yoshizawa）等人组成了自己的四重奏，发行首张专辑《We Now Create》。像所有走在时代前沿的革新性事件一样，专辑的出现奠定了融合西方自由精神与东方传统美学的日本自由爵士的兴起。在此之后，他又与萨克斯手高木元輝（Mototeru Takagi）组成二重奏，为1969年足立正生导演的『連続射殺魔』制作电影配乐，后收录为专辑《Isolation》（封面绘画均由富樫自己绘制）。
BRIDGE-048. 2006. CD. JAPAN BRIDGE-041. 2006. CD. JAPAN
1970年，一场意外事故导致富樫雅彦脊髓损伤，腰部以下永久瘫痪。然而18月后，富樫竟不屈而返，携自制新鼓重返乐坛。而后的演奏生涯里，他一直都在特制的轮椅上进行演奏。他的身体缺陷导致他无法出国参加各种音乐节演出，不过却经常可以与到访的外国音乐家一同在日本演出。在众多合作过的外国音乐家中，最值得提及的是萨克斯手Steve Lacy。他在12场日本的巡回演出中与富樫共同演出并录音。1986年，富樫雅彦与Steve Lacy、Don Cherry 和Dave Holland共同录制的专辑《Bura-Bura》是一部乐迷们的必听之作，由ALFA公司再版为2CD（50XB-107/8）。
由于身体不断恶化，富樫雅彦于2002年终止了他的演奏生涯，继而在家中潜心研究音乐作曲与绘画艺术。2007年8月22日，富樫在神奈川的自宅中辞世。在他的个人演绎事业中，富樫足足活跃了50个年头，他一直在为开拓日本爵士音乐的发展、建立西方与东亚传统文化之间的音乐桥梁而不懈努力。
Paul Rutherford原名Paul William Rutherford，生于1940年2月29日英国格林威治。英国自由即兴伸缩号（Trombone）演奏家。由最初演奏萨克斯风，转向伸缩号。60年代在伦敦Guildhall音乐戏剧学院学习并授课。他是英国自由即兴和欧洲自由爵士运动的主要发起人之一，也是第一位采用非正统方式进行即兴演奏的人。与此同时，他还是使用伸缩号Multiphonics技术的第一人，即‘唱’通过伸缩号和‘吹’同时进行。（Multiphonics是在器乐演奏过程中延伸出的一种20世纪音乐技术，演奏者可以使用单频的乐器在同一时间制造出多重音调。）
Paul Rutherford (1940 - 2007)
1965年Rutherford与鼓手John Stevens组成了Spontaneous Music Ensemble。1970年又与吉他手Derek Bailey和贝司手Barry Guy联手组成一临时即兴组合，Rutherford将它命名为Iskra 1903，灵感来自于1900-1903年间列宁领导的革命前宣传报《火星报》（Искра，英文Iskra）。其中的前两位数字‘19’代表着20世纪，而后两位数字则由演奏者的人数来决定。如果当萨克斯手Evan Parker加入到他们的三重奏时，后面的数字就变成了‘04’（Iskra 1904）。除此之外，Rutherford还组建过一个12人的大乐队Iskra 1912。
Iskra 1903最初的三人组从1970年延续至1973年，当时的录音收录在Incus公司1972年出版了一张同名的双张LP内，而后2000年又由Emanem公司老板Martin Davidson在原基础上补充了一些曲目，重新再版为一套3CD专辑《Chapter One》。Rutherford还曾与Globe Unity Orchestra和London Jazz Composer's Orchestra等著名乐队合作，但他最出名的也许还是他的即兴独奏。1974年录制的专辑《The Gentle Harm of the Bourgeoisie》（资产阶级的绅士伤害）是伸缩号独奏中的一部里程碑之作，首次发表于1976年。当时伸缩号的独奏专辑还非常稀少，在自由即兴领域更是绝无仅有。如果碰巧听到，你会立刻感受到其独创性的艺术魅力。专辑经过时间的淘洗，至今依然令人兴奋。这里没有半点电子合成，只有一个人、一把号，和一些静音。Rutherford为后人设好了标杆和方向，他在各种技法间滑翔、穿梭，添加色彩；打碎旋律，又精准地拼合碎片。从号中传出的粗鄙的声腔，充满了马戏杂耍式的幽默，甚至令人哄堂大笑。如果你是自由即兴乐迷，这是一张你必须拥有之作。作为伸缩号的表现蓝本，它已被列入了经典的行列。1997年，Emanem公司再版CD时添加了一首额外的曲目。
EMANEM 4019. 1997. CD. ENGLAND
Charlemagne Palestine，美国极简主义作曲家，同时也是一名演奏者、视觉艺术家。1945年8月15日生于纽约布鲁克林。与同时代的Philip Glass、Terry Riley、Steve Reich、Phill Niblock，共为早期极简音乐的探索家。曾在七十年代写过很多过激的仪式主义音乐（Ritualistic Music），意图通过一些听觉上的摩擦来改变西方观众对于音乐的传统认识。原本是接受自教会领唱训练的Palestine，后来却转向以独奏形式来演绎自己创作的曲目。他的早期作品一些是为了教堂钟琴（Carillon）和自制的电子乐器（Drone Machine）而作，当然最著名的乐曲还要算是由他个人来演奏的钢琴曲。
STRUMMING MUSIC NEW TONE/FELMAY. 1995. CD. ITALY
1974年的《Strumming Music》（乱弹音乐）是他最为著名的作品: 将近50分钟一气呵成的恍惚音丛，由两个音符不断重复、迅速变化而成。他当时在一架九腿的豪华贝森朵夫钢琴（Bösendorfer）上完成的这部作品，并脚踩踏板持续整个过程。当音乐汹涌四溢，钢琴逐渐失谐，和声泛音产生，听众可以听到平常很少发自于钢琴的音色。这种技巧看似乱弹，却可以在未被触及的琴弦间产生共鸣，营造出一种洪亮的泛音效果。在当今，只有维也纳生产的Bösendorfer钢琴可以做到，Palestine的钢琴作品正是为这种神奇的乐器而作。《Strumming Music》创作于过去五年间，同时也是Palestine的第一张专辑，重新发行于1991年。此后，他的许多七十年代录音也相继问世，其中包括钢琴、风琴、脚踏式风琴演奏、及唱咏。
Palestine的现场演出像是某种仪式: 每次都要把自己和钢琴周围塞满各式各样的绒毛玩具，演奏之中吸食大量的印度尼西亚丁香烟，并不时地喝上两口Cognac白兰地。
由泰迪熊、猴子、柯纳克酒瓶装饰的贝森朵夫钢琴，已经成为Charlemagne的商标。
김두수 (Kim Doo Soo) - 大韩民国引世界关注的国宝级音乐人物。去年12月，刚在東京地下音乐温床P.S.F.发行第五张全新个人专辑《10 Day Butterfly》（PSFD-175）。
原名Ji Seo Jong，1959年生于韩国城市大邱，大学毕业后开始歌手生涯。Kim Doo-Soo原为韩国著名小说《土地》中恶汉的名字。1986年首张专辑《希欧里之路》发表。歌中由于部分真实的言词，而遭致当局倾轧。1988年第二张专辑《约束地》发表。然而此时突发性的脊椎溃疡，使Kim在观众面前几乎无法站立。入院疗养3年后，1991年再度发表专辑《一个波希米亚人》。不幸的是，专辑中同名曲“一个波希米亚人”（A Bohemian）间接导致了一位韩国歌迷的自杀。灾难性的事实令Kim完全崩溃，继而休止了一切音乐活动。于深山中，独自过了十年隐遁的生活。没有电器设备，没有友人的电话，终日闻听山鸟的歌唱，至垂暮熄灭。
2002年，歌唱活动再度展开，同时第四张专辑《自由魂》发表。专辑收敛了Kim Doo Soo十年沉淀，净化的琴音与哀切的歌声传谕出Kim独有的精神之贵；涔然的流溪与脆弱的声线自然同化，严肃而敏锐，试图再问生命之意味。（出自『模索舎 月報 卷頭言』黒田憲，多谢元鍾權的MP3和信息！いちごいちえ..）
RIVERMAN. 2002. LP. KOREA
1. Wild Flower
3. Butterfly
4. Wild Rose
6. Rain at Dawn
7. Blues of 19th. Street
8. Mountain
9. As Time Goes by
10. Romantic Horizon
11. Abstraction
13. Wandering
14. Dandelion
(* 点击可下载mp3)
P.S.F./Modern Music一直是一个记忆中梦寐以求的场所，其身兼東京地下音乐発行及前卫唱片店铺双重身份已逾廿年之久，与高円寺地库的现场噪音结合，堪称東京一大另类酷玩。虽然前些年曾经到过PSF，但是并未因曾经到过而感觉平淡无奇，相反却由长时间在记忆中的不断迴想而变得更加神奇。同时在读过Sin:Ned的文章之后，更明确了对于P.S.F.音乐的理解。带着种种这些印象和想象而来，其结果却是适得其反的，因为你无法在想象与现实之间劈开一条适我的缝隙，在还没有来得及融入其中之时，却已将自身及意识裹蔽于夹缝之中；在我的头脑里没有什么秩序可言，一切都显得混乱不堪，只有在不断地排列重组中整合排序出新的逻辑轨道，我乘坐着通往更深层的未知。
P.S.F./Modern Music乘车路线: 池袋上车，乘崎京線，一站可到新宿（也可乘JR山手線，大约三站新宿），下车找牌子，转乘京王線（或京王新線），要小走一段，车站里面比较晕，找不到您就慢慢转吧。如果是京王新線，得坐“初台”方向的车，至明大前駅下，大概三站到。出站奔对面楼的胡同，找45-11号，离车站50米左右，走路半分钟不到，二楼玻璃窗上有写“Modern Music”，进门处没有任何标志，像普通小公寓楼，按门铃201。老板还是原来的大胡子老哥。进了屋才确定地方肯定是换了，小得你转不开身，背包要拿下来，最多八平米的地方堆满了音乐杂物，货品比原来少得多。看到PSF公司系列，不全，不认识的偏多；看到巨鲜的Taj Mahal Travellers头两张专辑的精装日版Mini LP，卖7000日元，有点贵，没狠下心干。买了两张绝版: EMANEM出的Spontaneous Music Ensemble - Quintessence 2 （遗憾没有单张1）、ROIR出的Glenn Branca - Symphony No. 1 (Amazon上二手标39.98刀)；临出门看到一套頭腦警察、很多Les Rallizes Denudes的现场、陳信輝去年再版70年代录音，才卖1300円。最后，做一个简单统计，在店内的半个多小时里，客人约4~5个，一直陆续进出，平均6~8分钟一人，进来的基本都消费，大约在5千円左右。另，PSF地址: 松原二丁目45-11-201，TEL:（03）3322-4461。
V.A./Tokyo Flashback [PSFD-12]. 1991. CD. JAPAN
1996年David Shea在John Zorn公司TZADIK出版的Hsi-Yu Chi（西游记），以概念化的音乐故事为背景，全集共11首曲子分别为: 第一首，庙寺─长安─孙悟空；第二首，三原素；第三首，五指山；第四首，愤怒之拳─歌剧─入龙—下界；第五首，雕刻师和捕渔人─沙漠；第六首，丝绸之路─黑风洞─兵器；第七首，西五村庄─两姐妹的婚礼；第八首，二原素；第九首，胭脂；第十首，兰花树；第十一首，圣山─净土。
单从歌名上看，Shea把我们的国宝《西游记》乱轮化的曲解了。但歌片的内页里Shea如是写道:“西游记”是一次有史记载的旅行，这部音乐作品基于这次历史性的行程。一位僧侣，名叫玄奘（Hsuan-Tsang），公元七世纪，离开了当时的国都长安，前往印度为了学习和诠译佛陀经文。多年后，他带回上百卷的经书，将佛法大乘传入中国。玄奘取经的故事后被民间广为流传，更被加以神秘化，最终由吴承恩大师写成四大名著之一的《西游记》，小说最初发表于公元1592年。后来《西游记》又被改编成各类剧本，以不同形式如京剧、电影、连续剧、动画片等呈现于舞台和银幕之上。近二十年，香港出品了一大批以神秘武侠为题材的电影；Shea一直便热衷于这批香港导演们的作品，由此而引发制作一张专辑的念头。
这张专辑是John Zorn的监制，自然脱离不了Zorn的意志，但稀奇的是专辑末端“胭脂”一曲，Zorn那美如天仙下凡的Alto Sax吹奏，配合着尖锐的地方民歌女声，像中国的民歌“刘三姐”或“一条大河”之类，伴随在出自Shea手的凝重钢琴步伐，简直让我经历了一场灵与自然的交配，舒服死了。Shea又有心请来中国女琵芭手吴蛮，为其客串琵琶（Pipa）独奏。Mark Ribot包揽全部电吉、木吉（Acoustic Guitar）和班卓琴（Banjo）的演奏，依然锋芒毕露。军鼓的密集敲击，不免让人产生起立稍息正步走的反射。各种少数民族吹乐的演奏，也并不令人感觉厌烦，只是莫名置身于他乡何地？有时像从《四世同堂》的四合院里走出，有时又像游牧在无垠的蒙古草原上。各种采样（Sampling）包括京剧、电影对白、武打声和来历不明的扭曲声响，与客席乐手们的演绎完美地搭配在一起，甚至好过大友良英在《革命京剧》里的采样。
建议: 带上耳机，那是另一种截然不同的感受，你可以听到更多细微的声响。更重要的，你不再受到外界杂音的干扰，全心全意地陷进去、陷入那声响涡流中。闭上双眼，让所有的感观意识全部融入到那耳观的空间里去，音乐勾勒着脑中的意象，仿佛也经历了一遭“西天取经”的漫长之旅....
HSI-YU CHI TZADIK 7005. 1996. CD. NEW YORK
无论何时，当一种新的音乐技术诞生，一些新的音乐形式也将随之到来。John Cage说，任何声音都可以被归纳为四个基本特征: 音高（Pitch）、音长（Duration）、音色（Timbre）和音量（Loudness）。对于电声音乐而言，一种思维方式是将以上四种特征继续延伸。我们可以让音量大到几乎无限，把Pitch调整到想要的高度，持续尽可能长的时间因为是由电流来控制，同时无限阴郁的音色。
电子音乐的革命为音乐家作曲（Composition）提供了更多的可能性，然而这种改变往往超乎我们可以控制声音的能力范围。如果有一个岛屿的画面，传统作曲家可以用单簧管，或是竖琴来表达，每个人都明白他的意图。但是假如你用的是电子合成器（Synthesizer），结果则大不相同。尽管合成器也是一门乐器，但是它包含了太多种声音的可能。因此，你必须预先装配一套乐器，率先建造一个声音的世界。（Brian Eno，1999）
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Theremin and Synthesizer
1920年俄国音乐兼物理学家Leon Theremin发明了一种可在空间进行控制的发声仪器，这便是最早的电声乐器之一，后人以他的姓氏Theremin命名（字典译:铁耳明式电子乐器，或泰勒明电子琴）。演奏者在演奏时不需碰到乐器，通过双手在乐器周围空间的移动，可以控制乐器发声时的音高和音量。这种乐器的声音很像一部小提琴，或是一个独唱歌剧，但是与传统原声（Acoustic）乐器截然不同。由于Theremin的音高和音量回应着演奏者身体的每一个动作，它可以清楚地表达演奏者在演奏当时的内在情绪，因而非常难以驾驭。
Leon Theremin playing the theremin
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世界上首次并且最出色演绎Theremin的演奏者是一位俄国的女演奏家，名叫Clara Rockmore。1928年，原是小提琴手的Clara在纽约遇见了Leon Theremin，随后成为Leon的学生。Clara曾以独奏的形式与众多交响乐团合作演出上百场，并与她的姐妹钢琴手Nadia Reisenberg在过去50年里演奏过不计其数的独奏音乐会。
Clara Rockmore playing the theremin
* MP3下载: “Valse Sentimentale”（情绪的华尔兹）是Clara姐妹经常演绎的一首常备曲目，选自1976年的录音。
（如须存入PC，可右键点击歌名链接，选择“目标另存为…” ）
** YouTube视频: thank the User “yaoikan1981” for uploading those valuable clips.（点击蓝色用户名观看）
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Leon Theremin是一位早期的电声音乐技术发明之父，他同时发明了很多其他种类的电子音乐设备，并启发了世界各地的音乐开创者。这也使得在他的早期发明与后来出现的电子键盘乐器之间（Keyboard，30年代开始制造），一直存在着一条持续不断的脉络。
磁带录音机（Tape Recorder）的应用作为一种新型音乐制作装置（而不是单纯的演奏复制机）则是音乐技术家族中的另一要员，由法国音乐家Edgard Varèse最先研制。他利用复合唱盘录音机（Multiple-Disc Recorder）对声音进行排列组合。在早期磁带录音室里，声音首先是由原声乐器或从电子设备中得到，再录制到磁带上，然后再通过电子的方式进行处理，例如过滤、调幅、人造混响，然后再通过配音、粘贴、拼接和重录组合起来。
60年代一些公司如Buchla、Moog等开始生产模建式电子音乐合成器（Modular Electronic Music Synthesizer），其中结合了一些Theremin在乐音产生和控制上的特点，同时也吸纳了其它早期电子乐器对于声响获取和处理上的功能。利用电压控制的技术原理，使这些看上去更像配电交换机似的大型乐器能够帮助音乐家自如地定形和排序声音，皆通过纯粹的电子方式。最具革命性的合成器录音专辑和现场演绎出现在60年代末，到了70年代出现了更多的电子乐器，等等这些都代表了自Leon Theremin以来人类的创新工作和技术发展的进步。（Robert Moog，Moog电子合成器的缔造者）
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Appendix:
法国前卫学院音乐厂牌INA-GRM（全称为Institute National Audiovisuel, Group de Recherches Musicales），其原身GRM乃是一家由法国作曲家Pierre Schaeffer于1951年在巴黎电台建立的录音室，目的是为孕育和促进电子音乐的发展，而Pierre Schaeffer也暨由此成为了具象音乐（Musique Concrète）之父。其后Schaeffer得到另一具象作曲家Francois Bayle的协助，Bayle在1966年成为GRM的经理人。GRM与INA（法国广播电视公司分支）在1974年开始合作，从此INA-GRM正式成为法国前卫学院派音乐的厂牌。（Daniel Teruggi，INA-GRM首脑）
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本文摘选并译自于Little Brochure titled as <The Early Gurus of Electronic Music: 1948-1980>, 3CD compilation by Ellipsis Arts, 2000.
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