2009年4月19日结束在纽约古根海姆博物馆举办的“The Third Mind”艺术展，副标题为“美国艺术家对亚洲的凝视 American Artists Contemplate Asia,1860 - 1989”，展览回顾了过去129年间东方艺术、文学、音乐以及哲学思想对美国艺术产生的影响，超过一百位艺术家和作家约250件作品参与展出，类别包括绘画、雕塑、影像艺术、装置、纸上作品、录影、行为、文学作品和临时印刷品（Ephemera）。该展览的同名书籍《The Third Mind》也由古根海姆博物馆于今年3月1日出版面世。
1st edition. issued: 2009/3/1
纽约古根海姆博物馆，全称所罗门·R·古根海姆博物馆（Solomon R. Guggenheim Museum）是古根海姆美术馆群的总部，该建筑是纽约市著名的地标性建筑，位于第五大道与89街交界处，由美国20世纪最著名的建筑师弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）设计，为赖特晚年杰作。1947年进行设计，1959年建成后，一直被认为是现代建筑艺术的极品，以至于五十年来馆中的任何一件展品都无法与之媲美。今年初举行的“The Third Mind”回顾展，仅仅是其50周年庆典的盘头餐。
作为世界上最著名的西方现代美术博物馆之一，该馆的收藏基本上是印象派以后的名家作品，尤其抽象艺术品的收藏更是居于世界众多博物馆之首。纽约古根海姆博物馆是著名的私人艺术博物馆，由慈善家所罗门·古根海姆投资兴建，是世界上最早在博物馆业中引入和运用“文化产业”概念并获得巨大成功的博物馆。他们的运作方式被世人称为“古根海姆模式”。
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1965年，美国垮掉派代表作家威廉·巴洛斯（Willam S. Burroughs）与好友艺术家布赖恩·盖辛（Brion Gysin）合作完成了一组拼贴作品。这一系列作品基本上都是在形状、大小一样的格子稿纸上剪贴报纸和各种纸媒介信息，其中也包括不少Burroughs自己的文章报道和肖像，信息大多充满痛苦与暴力。作品完成后，他们将其命名为《第三类精神》（The Third Mind），寓意来自于超现实主义，当一类精神与另一类相遇，其相遇本身就是第三类精神，即1＋1=3。
Peter Brötzmann的Die Like a Dog是为了纪念和追溯他的同辈Albert Ayler短暂且动荡的一生而组建的前卫爵士四重奏。他们的首张录音《Fragments Of Music, Life & Death Of Albert Ayler》（FMP CD 064）和早前现场包含了众多Ayler标准曲与早期传统爵士的音乐碎片。Albert Ayler的观点认为：爵士乐的发展从新奥尔良到自由爵士，基本已经失去了集合即兴的意义，在间歇的过渡段落已被太多花架子式的bebop独奏占据，虽然具有某种朴实无华的感觉，却太过简单。
Die Like a Dog是一个围绕Peter Brötzmann展开的Ayler追思会，在这里Ayler的曲式、思想，和自由精神再次得到发扬。它的另一个核心来自日本小号手Kondo，他对电子器材和数码回响的采用，为这种带有电颤感的即兴演奏提供了更多可发挥的空间，并且，在乐队制造的整体音浪中起到了漂洗和渲染的作用。Kondo编制的声线比过去30年任何合作过的号手都更加紧密地贴近Peter Brötzmann；他总是闪电般快速反射在Peter的萨克斯管意识流中，并在涡流的multiphonics里达到一种超速的和谐…
Toshinori Kondo（近藤等則）是一个罕见的日本爵士小号手，擅长electric trumpet，有人说他是继Miles之后最令人兴奋的尖叫，总是在瞬间飙升，带你空中浮遊。他的每一种表现里似乎都有着“禅”的味道。一本爵士杂志上说，他与达赖喇嘛保持着亲密的对话关系，还长年学习中国太极，懂得在什么时候发力。
另外，在David Such的书《Avant-Garde Jazz Musicians》中， 贝斯手William Parker的一段话被点出：“自由音乐要想成功，必须成为自由精神的音乐。这种音乐不是依靠于技术手段，而是要成为一名上帝的信使。我们不是什么创造者，我们只是穿梭的车辆…”（Steve Lake，1998）
Top L to R: Peter Brötzmann & Toshinori Kondo. Bottom L to R: William Parker & Hamid Drake.
现代前卫爵士音乐的即兴方式不仅是在演奏技巧上的创新，它更是对聆听者在聆听方式上的挑战。首先，它要求听众对听觉系统进行从新格式化——竭力摆脱旧的听觉习惯，无论是来自通俗音乐，还是来自正统的古典音乐。具体到每一次聆听，都须以一种未知的、甚至是空白的心理状态介入，经验聆听者在开始前5秒，完成听觉意识的自我归零。
现场即兴演出——在特定的时间和空间内形成的艺术样态，是行为的艺术，也是过程的艺术，一次性产生并完成，具有不可重复性、随机性和偶发性。“现场”是爵士即兴特点最极致的体现，与电台和唱片相比，也是声波传输的最佳接收渠道。
其次，在现场变化的过程中，乐手依据各自的创造性思维进行表演，当空气承载声波，抵达听众耳膜，聆听体验随即成为一种思维的跟随，听众可以用大脑记录乐手在每一个时间坐标上的具体表现，现场的真实感往往胜过任何一张唱片。在四位一体的自由爵士中，多由saxophone和trumpet引导，被称为frontline。即兴音乐最突出的聆听感受一般来自frontline乐手在现场带动的情绪表现。当乐手的演奏激情高亢，聆听者的线性思维也随之加速，在循进至高潮的过程中，听觉意识完全成为一种思维的追击。当然也许仅限于局部，或暂时性的。由此，这一过程也可以被理解为一种从乐手到听者的思维转移，具有某种程度的内在同步性。此外，一直处于忽视位置的由bass和drum构成的rhythm section在高速行进中，作为frontline的吸收和回应，则始终保持着整体构架的稳定和平衡。
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